Cuando comenzaron los preparativos para la exposición Botero in Nueva York, organizada por Sotheby's en el Breuer en colaboración con la Fundación Botero, Lina y Juan-Carlos Botero abrieron el trastero de su padre.
Más allá del tesoro de obras de arte que encontraron en su interior, les brindó una perspectiva única de la experiencia de su padre durante los años que vivió y trabajó en la ciudad de Nueva York. Junto a los bocetos, garabateados, había observaciones sobre el proceso creativo, ideas, descubrimientos y pensamientos demasiado urgentes como para no registrarlos. Lo que encontraron fueron las notas de un joven artista, alguien que enfrentaba dificultades económicas y la inquietud propia de la ambición: una experiencia que resultará familiar para muchos neoyorquinos.
En 1960, Botero [1932-2023] llegó a Manhattan con tan solo 200 dólares (el equivalente a unos 2,000 dólares actuales). Lo que siguió fueron años de incertidumbre financiera y profesional.
Pero no estaba del todo desprevenido. Botero ya había pasado años estudiando en la prestigiosa Academia San Fernando de Madrid con una beca del gobierno colombiano, y había realizado exposiciones individuales tanto en su país natal como en Washington, D.C., obteniendo un Premio Internacional Guggenheim y participando en la Bienal de Venecia y la Bienal de São Paulo, todo antes de cumplir los 30 años. En Nueva York, concretaría y desarrollaría el singular lenguaje visual que comenzó a gestarse en aquellos primeros años, influenciado por el canon occidental pero completamente nuevo.
«Nos contó que, en un momento dado, su cuenta bancaria se redujo a diez dólares», relata su hija, Lina Botero. Entonces, por pura casualidad, «alguien llamó a la puerta y metió un fajo de billetes por el buzón… mi padre estaba desesperado, así que abrió la puerta». La oferta era sencilla: diez dólares por dibujo. «Mi padre acababa de terminar una serie de dibujos… y [el comprador] dijo: “Te doy diez dólares por cada uno, no once… diez”». Minutos después, se marcharon con setenta bocetos; Botero se quedó con 700 dólares y un colchón financiero: tiempo suficiente para seguir pintando a su antojo.
Botero pasaba horas en el Museo Metropolitano de Arte, que no consideraba un refugio para desconectarse, sino una fuente de estudio. Regresaba una y otra vez a ciertos cuadros, permaneciendo en silencio frente a ellos durante largos ratos. Esta actitud se mantuvo a lo largo de su vida: cuando se mudó a París tras su paso por Nueva York, trató el Louvre de forma similar.
Los Ricos, 1967.
Sus años en Nueva York estuvieron marcados por dos importantes exposiciones: una en 1962 en la galería The Contemporaries y otra en 1969 en el Centro de Relaciones Interamericanas. La recepción negativa de algunos críticos en ambas exposiciones lo atormentó profundamente. Lina, que tenía nueve años cuando se presentó en el Centro de Relaciones Interamericanas (conocido hoy como The Americas Society), comenta: «Fue la primera vez que vi a mi padre realmente deprimido. No era una persona depresiva, pero los críticos de arte fueron tan crueles y despiadados con él y su obra, [lo que] que le resultó muy, muy duro».
Cabe destacar que las críticas no siempre fueron negativas; de hecho, muchos críticos lo elogiaron efusivamente. En una reseña de 1972 sobre su exposición en la Galería Marlborough, el crítico de arte Peter Schmeldahl escribió en The New York Times: «Resulta que Botero es un pintor maravilloso. Nada en sus cuadros es superfluo para su composición, que mantiene sus formas sensuales y ondulantes, perfectamente modeladas y proporcionadas, firmemente en un espacio poco profundo, como el de la pintura italiana primitiva».
Una década antes, en 1961, el MoMA adquirió Mona Lisa, de doce años (a instancias de la curadora Dorothy C. Miller, quien visitó su estudio), un momento crucial para Botero y para la figuración en general, que había caído en desuso.
Aun así, tuvo dificultades. Después de todo, la década de 1960 estuvo marcada por el expresionismo abstracto y el arte pop. La obra de Botero no pertenecía a ninguno de los dos. Esa independencia es algo que Anna Di Stasi, directora global de arte latinoamericano de Sotheby's, considera que define este período. «Lo notable es que sus conversaciones artísticas más profundas durante esos años no fueron necesariamente con los artistas que lo rodeaban en Nueva York».
Nick Deimel, director de ventas privadas de arte moderno de Sotheby's, explica cómo la exposición Botero in Nueva York (22 de julio-7 de septiembre de 2026) ofrece una perspectiva de la motivación personal de Botero: "[la exposición] muestra a un artista ambicioso que deseaba producir y contribuir al discurso artístico del siglo XX y del siglo XXI".
A pesar de las dificultades, los hijos de Botero –que dividen su tiempo entre Colombia y Nueva York– recuerdan esa época como una de alegría y generosidad. «Nuestra experiencia con él en aquellos tiempos fue absolutamente mágica, fantástica. Fue uno de los mejores periodos de nuestras vidas, de nuestra infancia junto a él. [Y sin embargo], en aquel entonces él atravesaba una época muy oscura», dice Juan Carlos.
Puede que no todo haya sido sufrimiento. En las obras expuestas actualmente en la galería Breuer se aprecia un sentido del humor y la alegría. Moscas revolotean alrededor de una explosión de color en Le Buffet (1970). Un niño pequeño con traje de marinero debe defenderse del ángel y el diablo sobre su hombro durante su primera comunión en Autorretrato, el día de mi primera comunión (1970). Una mujer corpulenta intenta –sin éxito–cubrirse con una toalla magenta en Mujer en el baño (2002). Por supuesto, este estilo surgió de sus años en Nueva York. «¿Dónde más se habrían nutrido y consolidado esta vocación y confianza», afirma Deimel, «sino en el epicentro del mundo artístico de los años sesenta y setenta?».